Es wäre spannend in Erfahrung zu bringen, ob sich William Gibson und Philip K. Dick an irgend einem Punkt ihres Lebens an den Kopf fassen mussten in Anbetracht der Reaktionen auf das von ihnen mitbegründete Genre. Denn statt abgeschreckt zu sein, nahmen viele Leser ihre Zukunftsvisionen eher mit Faszination entgegen und wollten mehr. Ich gehöre dazu.

Für Leute wie mich ist Deus Ex: Human Revolution ein absoluter Glücksfall, da es dem Spieler erlaubt, sich gerade in einer solchen Umgebung auszutoben.

Im Jahr 2027 wird Human Augmentation zur Mode. Menschen lassen sich völlig gesunde Gliedmaßen oder Körperteile abtrennen, um sie durch verbesserte, künstliche zu ersetzen, die sie schwerer heben, besser sehen oder schneller laufen lassen. Ganz ungefährlich ist diese Praxis natürlich nicht. Denn entscheidet man sich für eine Augmentation, entscheidet man sich auch für ein Leben als Junkie. Teure Medikamente sind nötig, um den körpereigenen Abwehrmechanismus gegen die Prothesen zu unterdrücken. Auch ist die Operation alles andere als günstig, was dazu führt, dass sich immer mehr Menschen ausrangiert fühlen – eine Zwei-Klassen-Gesellschaft ist absehbar. Nicht nur aus diesem Grund formiert sich langsam eine Gegenbewegung, Humanity Front genannt, die Augmentations am liebsten verbieten, zumindest aber staatlich regulieren würde. Vor dem Hintergrund der immer lauter werdenden Proteste wird plötzlich Sarif Industries, einer der führenden Hersteller von Augmentations, angegriffen. Bei der Attacke wird eine handvoll Wissenschaftler getötet, die Laboratorien verwüstet und der Sicherheitsschef des Unternehmens, Adam Jensen, lebensgefährlich verletzt. Wie gut, dass sich David Sarif um seine Belegschaft kümmert und Jensen zum Zwecke der Lebensrettung ungefragt mit Augmentations ausstatten lässt – und dabei auch viele Gliedmaßen und Organe ersetzt, die gar nicht verletzt sind. Ein Schelm, wer Böses dabei denkt.

Die Frage, wie man persönlich zu Transhumanismus steht, in Human Revolution repräsentiert durch die Augmentations, zieht sich durch das gesamte Spiel. Mehr noch, sie stellt die Kernfrage dar, deren Beantwortung am Ende des Spiels steht. Bereits zu Anfang wird Adam – und somit auch der Spieler – mit der Frage konfrontiert, ob er die Runderneuerung eher als Segen oder als Fluch empfindet. Natürlich dürfte jeder Spieler in dieser Hinsicht vorbelastet sein und bereits mit einer eigenen Meinung zu zeitgenössischen Auswüchsen von Transhumanismus wie etwa Stammzellenforschung in das Spiel einsteigen. Ginge es beispielsweise nach mir, könnten sich die Kasper der Humanity Front genauso gut in “Mongo Clikke” umbenennen. Human Revolution behandelt das Thema vielleicht nicht so tiefgründig, wie man es könnte, lässt einen aber zumindest gelegentlich die eigene Position hinterfragen, sofern man dies zulässt. Schließlich hat keine der jeweiligen Parteien einen vollständig leichenlosen Keller vorzuweisen.

Rein optisch ist Human Revolution eine Wucht. Und damit meine ich nicht mal speziell die Grafik. Vielmehr ist es erstaunlich, wie viele kleine Details Eidos Montréal in die Umgebung hineingepackt hat. Wer das erste mal Jensens Apartment betritt, wird sofort wissen, wovon ich rede. Äh, schreibe. Im Gegensatz zu vielen anderen Spielen, in denen Räume häufig bloß Kulissen sind, wird durch die Detailvielfalt die Illusion eines tatsächlich bewohnten Heims erzeugt. Auch stellt das erstmalige Betreten von Jensens Wohnung einen der magischsten Momente in der jüngeren Videospielgeschichte dar.

Überhaupt wirkt die Spielumgebung auf den ersten Blick unheimlich lebendig. Besonders die Stadtareale in Detroit und Shanghai haben es mir angetan. In Detroit rauscht einem eine Magnetschwebebahn über den Kopf, man schnappt im Vorbeigehen Gesprächsfetzen der zahlreichen NPCs auf, man wird bombardiert mit unzähligen beleuchteten Werbetafeln, man sieht vor einigen Gebäuden noch die Überreste einer Demonstration – Protestschilder und Flyer, die überall auf dem Asphalt verteilt sind… kombiniert mit dem einzigartigen Art Design, Cyber Renaissance getauft, erzeugt das Spiel besonders zu Beginn einen unheimlichen Sog. Wer sich in dem golden eingefärbten Universum von Human Revolution verlieren will, erhält reichlich Futter dazu.

Auch gelingt Eidos Montréal der Kunstgriff, Geschichten nur durch Umgebung und Design zu erzählen. Wer etwas in Jensens Apartment herumschnüffelt, wird auf einen zerschmetterten Spiegel stoßen – ein Indikator dafür, dass er Augmentations vielleicht doch nichts abgewinnen kann, zumindest aber unzufrieden mit seinem neuen Äußeren ist. Wir erinnern uns: Mecha-Augs sind lange nicht so subtil wie die Nano-Augs aus Deus Ex, das zeitlich 25 Jahre nach Human Revolution angesiedelt ist. Offenbar sammelt Jensen leere Cornflakesschachteln. Noch dazu hortet er Medikamente und Schmerzmittel, obwohl sein Körper die Augmentations nicht abzustoßen scheint – eigentlich eine Sensation in der Welt von Human Revolution. Offenbar betäubt sich Jensen. Ob es der Verlust seiner Gliedmaßen ist, der ihn schmerzt, der Verlust seiner Freundin, die bei der Attacke ums Leben kam oder ob die Prothesen tatsächliche Schmerzen hervorrufen, bleibt der Phantasie des Spielers überlassen. Wer sich die Zeit nimmt, ein bisschen genauer hinzuschauen, erhält viele Hintergrundinformationen, die sich sonst in keiner Cutscene und in keinem Dialog offenbaren würden.

Ganz unabhängig davon soll an dieser Stelle auch der grandiose Ambient-Soundtrack von Michael McCann gelobt werden, der es hervorragend schafft, den jeweiligen Arealen im Spiel Charakter zu verleihen, sie adäquat zu untermalen und gleichzeitig mit dem Spiel zu verschmelzen.

Wie sieht es denn nun eigentlich mit dem Spiel an sich aus? Deus Ex war ein Rollenspiel/First-Person-Shooter-Hybrid, der dem Spieler möglichst viele Freiheiten bei der Bewältigung der ihm gestellten Aufgaben gelassen hat. Human Revolution knüpft hier nahtlos an. Für jede Problemstellung gibt es mindestens zwei Lösungsansätze, wobei einige natürlich die entsprechenden Augmentations voraussetzen. Möchte man sich den Weg ins Polizeirevier lieber erschleichen, erquatschen oder freischießen? Und wenn man sich entschieden hat, infiltriert man das Polizeirevier lieber über den Seiteneingang, die Kanalisation oder springt man einfach über den Zaun? Zerfetzt man vorzugsweise das Ego des diensthabenden Officers am Empfang, zeigt man Verständnis ihm gegenüber oder erpresst man ihn gar? Die Möglichkeiten sind vielfältig und selbst wenn man an einer Stelle versagen sollte, so hält das Spiel keineswegs an. Im schlimmsten Fall verschlechtern sich die Ausgangsbedingungen, im besten Fall stolpert man über einen Lösungsansatz, auf den man anders nicht gekommen wäre. All das erzeugt einen höchst angenehmen Drive. Man hat nie das Gefühl, zu stagnieren oder steckengeblieben zu sein. Human Revolution ist ständig in Bewegung.

Zudem haben die eigenen Handlungen durchaus Auswirkungen. Das reicht von einem simplen Kommentar eines NPCs bis hin dazu, dass man bei einer Nebenquest scheitert.

Puristen werden bemängeln, dass der RPG-Anteil verglichen mit Deus Ex etwas zurückgefahren wurde. Das heißt, sofern man RPG ausschließlich mit Nummern und Statistiken gleichsetzt. Eidos Montréal hat das Item Management vom Original übernommen (es darf also wieder Item-Tetris gespielt werden), dafür aber Skills und Augs zusammengeschmissen – was bedeutet, dass Upgrades nicht nur neue Fähigkeiten wie Stealth Camo hinzufügen, sondern auch die Waffenhandhabung oder die Laufgeschwindigkeit verbessern. Auch kann Jensen jede Waffe aufnehmen und benutzen, ohne sich vorher spezialisieren zu müssen. Allerdings wirkt das in Anbetracht des Settings durchaus plausibel, schließlich ist Jensen ein Ex-SWAT und daher eigentlich erfahren im Umgang mit einer Vielzahl von Waffensystemen.

Was jetzt kommt, mag für viele wie Blasphemie klingen, aber die genannten Veränderungen im Vergleich zu Deus Ex sind eine klare Verbesserung. Selbstverständlich ist Deus Ex in dieser Hinsicht das komplexere Spiel, aber man sollte sich von der Vorstellung lösen, dass Komplexität der Komplexität halber zwangsläufig in einer besseren Spielerfahrung resultiert. RPG hin oder her: Es gibt keinen Grund, weshalb man die Kontrolle über die Spielfigur entfernen sollte, wenn explizit die Fähigkeiten des Spielers gefragt sind. In Deus Ex entschieden noch Würfel darüber, ob ein Schuss im Kopf des Gegners oder im Nirvana landete, was absolut nicht nachvollziehbar ist. Es wäre etwas anderes gewesen, wenn Skillpoints lediglich das Waffenhandling beeinflussten und es wäre am Spieler, das durch die eigenen Fähigkeiten auszugleichen – die Statistiken hätten immer noch Einfluss auf das Gameplay und der Spieler wäre trotzdem involviert. Eben dieses Modell verfolgt Human Revolution. Auch mussten die Augmentations in Deus Ex noch einzeln über die F-Tasten aktiviert werden, was mitunter dazu führte, dass man vier oder fünf Tasten drücken musste, bevor man eine Aktion ausführte. In Human Revolution dagegen sind Augs genau dort passiv oder aktiv, wo es Sinn ergibt. Augs wie Stealth Camo müssen immer noch aktiviert werden, dagegen reicht ein etwas längerer Druck auf die “Springen”-Taste für die Aktivierung der Augs in den Beinen. Oder sie sind kontextabhängig, was zum Beispiel bedeutet, dass Jensen keine Getränkeautomaten durch die Gegend schleudern kann, bis er die entsprechenden Upgrades besitzt – und wenn er es tut, verbraucht er Energie, wie bei den anderen Augs auch. Das Resultat ist, dass das Gameplay in Human Revolution weitaus besser flutscht als noch im Original. Im Gegensatz zu diesem kann Human Revolution auch als reinrassiger First Person Shooter gespielt werden, sofern einem der Sinn danach steht. Die Mechaniken sind vorhanden und in der Beziehung mehr als kompetent.

Die Handlung stellt im Prinzip eine doppelbödige Detektivstory mit einigen Wendungen dar, von denen eine bereits in den ersten Minuten des Spiels erahnt werden kann, wenn man aufmerksam genug ist. Auch Freunde von Verschwörungstheorien kommen auf ihre Kosten, wenn auch nicht ganz so sehr wie in Deus Ex. Dafür nehmen die Frage nach der Ethik von Transhumanismus und persönliches Drama zu viel Raum ein. Trotz allem schafft es die Story, sich natürlich Schicht für Schicht zu entfalten und bis zum Finale einigermaßen spannend zu bleiben. Am Ende steht die Entscheidung des Spielers in Bezug auf Transhumanismus. Natürlich kann man kritisieren, dass die Story nicht “richtig” abgeschlossen wird. Aber wer sich ernsthaft über den Mangel an Abschluss beklagt, der hat sich auch schon über die letzten beiden Episoden von Neon Genesis Evangelion beschwert.

Die Charaktere schaffen es irgendwie, einem ans Herz zu wachsen. Da ist zunächst Adam Jensen, der stoisch sein Schicksal als unfreiwilliger Halbcyborg und somit Eigentum von Sarif Industries erträgt, der sichtlich betroffen ist über den Verlust von Freundin und Gliedmaßen, aber nie mehr Melancholie offenbart als nötig. Gelegentlich lässt er sogar etwas trockenen Humor aufblitzen. Überhaupt hat die Belegschaft von Sarif Industries etwas sehr familiäres an sich. David Sarif ist die patriarchische Vaterfigur (an mehreren Stellen nennt er Adam sogar “Sohn”), Adam ist der coole große Bruder, Pritchard ist der eifersüchtige kleine Bruder, der besonders zu Beginn des Spiels als überheblicher Nervbolzen aufgebaut wird und die Pilotin Malik ist die scharfe Cousine, auf die jeder irgendwie steht.

Selbstverständlich wartet das Spiel auch mit anderen Charakteren auf, die vielleicht nicht ganz so sympathisch, in jedem Fall aber ebenso gut gezeichnet sind. An ihnen muss man gemäß der Natur eines Videospiels vorbei, allerdings nicht zwangsläufig mit Waffengewalt, sondern manchmal auch in Form der Social Boss Battles. Dabei gerät man in einen Dialog mit dem betreffenden Charakter und versucht ihn durch die Wahl der richtigen Dialogoptionen zu überzeugen. Die wiederum sind abhängig von seinem psychologischen Profil und der Art, wie er auf vorangegange Antworten reagiert hat. Gerade in diesen Abschnitten steckt die ein oder andere dramaturgische Perle.

Natürlich ist längst nicht alles perfekt an Human Revolution. Gerade die ersten drei Bossfights stehen hervor wie etwas, das einfach nicht in die Landschaft passen will. Hält Human Revolution sonst die Philosophie hoch, den Spieler so spielen zu lassen, wie er mag, trifft man mit dem ersten Boss (ein großer Kerl mit Maschinengewehrarm namens Barrett – I see what you did there, Square Enix) auf einen Gegner, der getötet werden muss. Dass er außerdem Kugeln schluckt wie andere Leute Gummibärchen macht die Sache nicht weniger frustrierend. Auch wiederholen sich die Animationen der NPCs relativ schnell, sodass man etwas aus dem anfänglich beschrieben Sog herausgeholt wird. Zudem könnten die Stadtareale ruhig bevölkerter sein. Aber dass diese Kritikpunkte nicht mehr darstellen als kleinliche Nörgelei sollte klar sein in Anbetracht dieses als Review getarnten Heiratsantrags.

Für mich verströmte Cyberpunk stets eine gewisse Melancholie. Einerseits können die Menschen in einem Cyberpunk-Universum all diese tollen und übermenschlichen Dinge, andererseits scheint ihnen etwas sehr Grundlegendes verlorengegangen zu sein. Glaubt man Bill Taggart, dem Vorsitzenden der Humanity Front, bleibt nicht nur ein Arm oder ein Bein auf dem Hackbrett zurück, sondern auch ein Teil von sich selbst – ein Stück der eigenen Menschlichkeit. In Human Revolution manifestiert sich dies durch die besessene Suche Adams nach den Urhebern der Attacke auf Sarif Industries. Dabei scheint es ihm nicht nur um Rache an den Mördern eines ihm geliebten Menschen zu gehen. Es scheint auch der verzweifelte Versuch zu sein, der eigenen Melancholie zu entfliehen, in die ihn der Verlust von Gliedmaßen und Geliebter getrieben hat. Adam jagt in gleichem Maße den Verschwörern wie seiner eigenen Menschlichkeit hinterher. Und diese Melancholie fühlbar zu machen, stellt die wahre Leistung von Human Revolution dar.

Die Ringe, bitte.

So in etwa fühlt es sich an, Mirror’s Edge zu spielen. Ja, ich bin etwas spät bei der Party, aber ein erneuter Durchgang hat mir mal wieder vor Augen geführt, wie viele Gegensätzlichkeiten in dem Spiel vereint sind. Beispiel gefällig? Das Art Design ist großartig, jedoch verbringt man nicht unwesentlichen Anteil der Spielzeit in Luftschächten und Heizungskellern. Die Parkour-Komponente suggierert Freiheit, gleichzeitig aber herrscht oft Zeitdruck, da bereits Gegner im Anmarsch sind. Ich könnte das Spiel noch eine ganze Weile so weitertreiben.

In der Theorie hört sich alles noch ganz spaßig an: First Person Platformer. Awesome! Dystopisches Setting. Suberp! Fokus auf unbewaffnetem Nahkampf. Hier sind meine Kontodaten, DICE, nehmt Euch, so viel Ihr wollt!

Die Probleme fangen aber schon mit der Wahl der Perspektive an. Entgegen einem Spiel in der Third-Person-Perspektive fällt es deutlich schwerer, Entfernungen vor einem Sprung abzuschätzen, da man den eigenen Spielcharakter nicht direkt vor sich sieht. Das Resultat ist, dass Faith öfter aus freiem Fall den Asphalt küsst als einem lieb ist. Es hilft nicht wirklich, dass das Spiel mitunter Probleme hat, zu registrieren, wenn man nach einer Stange oder einem Vorsprung greift.

Richtig frustrierend wird es, wenn Zeitdruck in Form der heranrückenden Sondereinsatztruppen ins Spiel kommt. Nicht nur muss dann der richtige Weg gefunden werden, er muss außerdem noch schnell gefunden werden, während es Kugeln aus allen Richtungen hagelt. Unter Zeitdruck Anforderungen an die Navigationsfähigkeiten des Spielers zu stellen – den Fehler hat schon Burnout: Paradise gemacht. Die reinen Rennmissionen waren mit Abstand dessen schwächster weil frustrierendster Teil.

In einem anderen Spiel hätte man die vermummten Bluthunde der totalitären Unterdrücker einfach in Stücke geschossen, aber wir erinnern uns: Fokus auf unbewaffnetem Nahkampf. Oft genug stellt es ein Problem dar, überhaupt in die Nähe der Polizisten zu kommen, sobald sie in größerer Stückzahl auftreten. Hinzu kommt, dass ein tatsächlicher Kampf mit den Uniformierten vom Spiel nicht immer vorgesehen ist – mal sollen die Blues strategisch entwaffnet und niedergeschlagen werden, mal soll man vor ihnen fliehen. Und wisst Ihr was? Mirror’s Edge denkt nicht einmal daran, Euch mitzuteilen, wann Weglaufen und wann Kämpfen angesagt ist. Die Zicke.

Das Resultat ist ganz einfach: Man stirbt. Fürchterlich. Und vor allem wiederholt. Für die Zocker der alten Schule, die Trial & Error als elementaren Bestandteil eines Videospiels erachten und es vor allem als unterrepräsentiert in der aktuellen Spielelandschaft erachten: Mirror’s Edge ist Euer Spiel.

Natürlich ist nicht alles schlecht an Mirror’s Edge. Wie bereits erwähnt, sieht das Spiel phantastisch aus, was sowohl am grafischen Unterbau als auch am Art Design liegt. Man kann sich in nahezu jede beliebige Ecke eines Levels stellen, die “Print”-Taste drücken und schon hat man ein neues Hintergrundbild für seinen Desktop. Nein, im Ernst. Ich gebe hier zu verstehen, dass ich selbst über 250 Screenshots allein während meines letzten Durchgangs gemacht habe. So schnieke sieht das Spiel aus.

Auch die Steuerung verdient eine positive Erwähnung. Sie ist intutiv und verlangt, dass man vor einem Sprung ordentlich Anlauf nimmt – wie im richtigen Leben auch. In den Abschnitten, in denen einem nicht gerade Kugeln um die Ohren sausen, transportiert das Spiel mehr als kompetent das Gefühl von Freiheit, das bestimmt auch ein richtiger Traceur bei seinen Runs hat. Das Ganze wird durch die Steuerung nur unterstützt.

Wirklich enttäuscht war ich allerdings von der erzählerischen Komponente des Spiels. Mirror’s Edge spielt in einer dystopischen Zukunft und greift gleichzeitig das eigene Setting in der Story so gut wie gar nicht auf. Auch die Charaktere bleiben eher blass. Was schade ist, da Faith als Hauptcharakter eine interessante Wahl darstellt.

Alles in allem mag ich Mirror’s Edge, ungeachtet der vielen Unzulänglichkeiten. Durch seine bloße Existenz bringt das Spiel frischen Wind in eine Industrie, die davon lebt, sich gegenseitig zu kopieren. Noch mehr als das eigentliche Spiel mag ich allerdings, was daraus hätte werden können.

Ungefähr zehn Jahre später. Mir ist langweilig und, wie es der Zufall so will, kostet DiRT 2 bei Steam gerade weniger als ein Happy Meal. DiRT 2 ist zwar ein Autorennspiel und hat mit Motorrädern nicht wirklich viel zu tun, bietet aber, Motocross nicht ganz unähnlich, tonnenweise Offroad-Tracks und Dreck. Wieso also nicht?

Wenn DiRT 2 irgend etwas richtig macht, dann ist es, das besagte Gefühl von damals zu rekonstruieren und adäquat auf den Spieler zu übertragen. Das geht schon mit der Gestaltung der Menüs los. Um bestimmte Rennen anzuwählen, begibt man sich stilecht in den eigenen Wohnwagen, während draußen die Zelte aufgeschlagen sind, Menschentrauben auf den nächsten Event warten und laute Musik aus den Boxen dröhnt.

Wo wir schon bei der Beschallung sind: Die kann sich wirklich hören lassen. Motoren röhren, wie sie röhren sollten, kleinste Kieselsteine springen hörbar gegen die Karosserie und die Replays werden von einem rockigen Soundtrack mit leichtem Indie-Einschlag begleitet.
Zudem kocht man grafisch nicht auf Sparflamme. Die Autos sehen realistisch aus, ziehen bei der Fahrt durch die Wüste glaubwürdig meterlange Staubwolken hinter sich her und vermitteln nach einem Rennen über Stock und Stein auch den Eindruck, als hätten sie ein solches hinter sich. Sollten jemals Autos in einem Videospiel realistischer dreckig werden als in DiRT 2, sagt mir bescheid. Wirklich, ruft mich an.

Die eigentliche Leistung von DiRT 2 ist allerdings größer als die Summe der einzelnen Bestandteile. Es ist die Leistung, dem Spieler glaubhaft zu vermitteln, dass man gerade mit 100 Sachen über eine Schotterpiste brettert, während man selbst ordentlich durchgeschüttelt wird.
Du alleine mit Highspeed gegen Mutter Natur. Und es fühlt sich großartig an.
Selbstverständlich habe ich mich daher als erstes auf die Rallye-Events gestürzt, nur um feststellen zu müssen, dass es eigentlich viel zu wenige davon gibt. Bestenfalls 40% des Spiels bestehen aus Rallye- bzw. Trailblazer-Events. Auch gibt es außer “sonnig” keine weiteren Witterungsbedingungen.

Das macht allerdings nichts, denn DiRT 3 ist nicht weit. Codemasters hat schon im Vorfeld versprochen, Regen und Schnee zu integrieren sowie den Rallye-Anteil ordentlich nach oben zu schrauben. Gleichzeitig hieß es, man wolle den Grad an Spektakel herunterdrehen und durch etwas britische Gelassenheit ersetzen.
Keine Ahnung, was das heißen soll. Ich bin jedenfalls vorsichtig optimistisch.

WRROOOOM WRROOOOM~

Freunde virtueller Zeitverschwendung dagegen stellen sich eine andere Frage:
Quake III oder Unreal Tournament?

Inhaltlich ähneln sich beide Titel stark und erscheinen mit nur wenigen Tagen Abstand voneinander. Beide haben sie neuartige, leistungsfähige Grafik-Engines im Schlepptau und beide schicken sie sich an, die Referenz im relativ frischen Genre der vornehmlich fürs Kompetitive ausgelegten First Person Shooter zu werden, wobei UT mit weitaus mehr teamlastigen Spielmodi daherkommt als Quake, das eher die Deathmatch-Fraktion bedient.
Der Rest ist gewissermaßen bekannt. UT wird erfolgreich genug für einige weitere Ableger, während Q3 nach wie vor als Epitom des Multiplayer-Shooters gilt und noch immer von einer festen Gemeinde gezockt wird.

Damals machte ich auf einer kleinen LAN-Party Bekanntschaft mit beiden Spielen.
Erste Eindrücke: Q3 steuerte sich schwammig und träge, wogegen es bei UT förmlich flutschte. Trotzdem wollte sich keiner der Anwesenden zu einem UT Deathmatch überreden lasssen, sodass ich wartete, bis alle schliefen.
In dieser Nacht rannte ich durch den gesamten Einzelspieler-Modus von Unreal Tournament.

Obwohl sich Quake III für mich im Nachhinein als das bessere Spiel entpuppte (wobei auch klargestellt werden soll, dass nach wie vor nichts an Quake II rankommt), kroch ich für einen schnellen Frag immer wieder zurück zur benutzerfreundlicheren Konkurrenz.

Ich will offen sein. Dieser Thread dient einzig und allein zum Zwecke des Outings. Denn:

Ja, ich habe Unreal Tournament 3 gekauft. Und ja, ich habe Spaß damit.
Vornehmlich deswegen, weil es mich ungemein an das UT von 1999 erinnert. Sicher, verglichen mit dem direkten (großartigen) Vorgänger UT2K4 ist der Content ziemlich mager, aber für mich fühlt es sich endlich wieder wie ein UT an. Unter anderem die Streichung der Adrenaline Pick-Ups, der Reduzierung von zusätzlichen Sprüngen auf ein erträgliches Maß und der Reimplementierung einiger Gegenstände aus dem ersten Teil sorgte bei mir für ein wirklich heimisches Spielgefühl. Gerade durch das Wegfallen einiger Elemente konnte ich mich besser auf das Wesentliche konzentrieren: den Gegner.
Auch die von mir anderorts kritisierte, mit Effekten überladene Grafik halte ich in diesem Kontext für durchaus ansprechend. UT bewies bei der Wahl von Örtlichkeiten stets einen exotischen Geschmack, was die Grafik hier lediglich unterstreicht.
Es hat nur ein paar Schwindelanfälle gebraucht, sich daran zu gewöhnen.

Irgendwie verstehe ich die ganze Ablehnung nicht, die das Spiel erfahren hat. Natürlich ist es im Kern immer noch das Spiel von vor 9 Jahren, aber mangelnde Innovation war gerade bei diesem Genre noch nie ein Problem für die Spielenden. Auch, dass es sich verglichen mit den Vorgängern wesentlich langsamer spielen soll, halte ich für ein Gerücht. Fraggen fällt in Teil 3 vergleichsweise leicht, gefraggt werden aber auch.
Warum also sind die Server so leer?
Welcher Teil ist euer Favorit?

Schreibt was.

Wie kommt man auf geniale Ideen? Das frage ich mich häufiger, denn bei mir scheint es einfach nicht zu klappen. Aber solange das anderen nicht genauso geht, kann ich mich ja immerhin an den Früchten ihrer Kreativität erfreuen.

So wie bei Blake White. Auf den ersten Blick kommt das ganze vielleicht lediglich als der Farben beraubtes Jump & Run daher – der Clou ist jedoch, dass man die ‘Farben’ der Welt und der eigenen Spielfigur verändern und so Einfluss auf die Spielwelt nehmen kann.

Aber worum geht es in Blake White? Vor Spielbeginn wird die titelgebende Hauptfigur in die fiktive – und nebenbei auch noch reichlich fiese – Spielkonsole “Nemesis” gesogen, um dort erstmal dieser zur Unterhaltung zu dienen anstatt umgekehrt. Dass sich dabei die Darstellung des gesamten Spiels nur auf die Farben Schwarz und Weiß beschränkt, habe ich bereits erwähnt. Pikantes Detail: Sobald Blake die gleiche ‘Farbe’ wie ein Objekt hat, kann er einfach durch es hindurchaufen (oder auch -fallen). Durch Schalter kann (und muss) zusätzlich die Umgebungsfarbe gewechselt werden, wodurch Gegenstände auftauchen und wieder verschwinden (schwarze Objekte sind nur auf weißem Hintergrund sichtbar usw.) sowie unterschiedliche Mechanismen ausgelöst werden.

Das Spiel besteht dabei hauptsächlich aus dem Meistern von Sprungpassagen und dem Lösen von Rätseln. Hin und wieder hindern einen auch Gegner am Weiterkommen, denen man – je nach Situation – entweder durch Geschick oder Gerissenheit versuchen muss, zu entgehen. Denn bei Berührung muss Blake direkt am letzten Checkpoint erneut starten; Lebenspunkte oder dergleichen gibt es nicht. Die Checkpoints sind dabei allerdings so fair gesetzt, dass eigentlich nie Frust aufkommt.

Nicht unerwähnt bleiben sollte hier auch noch mal der Humor des Spiels: Wie erähnt, befindet man sich in Nemesis, die einen kurzerhand zu ihrem Spielzeug erklärt hat – und bekommt dies durchaus auch zu spüren. Mehr sei dazu an dieser Stelle jedoch nicht verraten, sonst geht der Spaß am eigenen Entdecken womöglich noch verloren. Und das wäre in diesem Fall wirklich eine Schande.

Zu meckern habe ich aber natürlich auch noch was: Blake ist nicht ganz flüssig animiert und könnte meines Erachtens etwas graziler sein, auch seine Bewegungen sind mitunter recht schwerfällig (Zitat eines Entwicklers: “Es ist kein Action-Spiel.”).

Besonders bei einer kniffligen Sprungpassage war ich für die optionale Unterstützung des X-Box 360 Controllers übrigens sehr dankbar; als Nicht-Tastaturakrobat dürfte ich mit der Standard-Steuerung wohl so meine Probleme gehabt haben. Ansonsten ist das Spiel relativ kurz und müsste wohl in einer halben bis einer Stunde durchzuspielen sein.

Mehr Worte möchte ich zu Blake White an dieser Stelle nun aber nicht mehr verlieren. Also: Los, spielen!

Wie also anfangen, wenn man im Begriff ist, den möglichst perfekten Artikel zu schreiben? In meinem Fall meistens gar nicht. Deshalb müsst ihr euch jetzt auch mit diesem unperfekten Geschreibsel zufrieden geben.

Um also das – vielleicht – auffälligste Merkmal zuerst zu nennen: The Baron ist ein Text-Adventure (na, wer denkt jetzt an die alten Infocom-Games?). Da es mein erstes Spiel dieser Art war, kann ich nicht sagen, inwiefern es ‘typisch’ für das Genre ist oder nicht. Aber eigentlich geht es darum ja auch nicht.

Das Problem stellt sich vielmehr genau jetzt – denn zum Inhalt sollte man eigentlich so wenig wie möglich, am besten gar nichts, verraten. Warum? Nun… selbst das wäre wohl schon ein Spoiler. Nur so viel: man sollte nicht unbedingt moralprüde sein.

The Baron unterscheidet sich insofern von den meisten mir bekannten Spielen, als dass die Herangehensweise generell anders ist. Besonders schwierig ist es nicht, aber die Herausforderung scheint mir in diesem Fall auch nicht der richtige Antrieb zum Spielen zu sein. Es geht viel mehr darum, etwas über sich selbst herauszufinden. Oder dies zumindest zu versuchen. Denn das Spiel gibt zwar wenig Antworten, stellt dafür aber umso mehr Fragen. Und diese sind auch noch interessant.

Ich könnte mich fast dazu hinreißen lassen, zu behaupten, es seien Fragen, mit denen sich bestimmt jeder schon mal auf die ein oder andere Weise beschäftigt hat – aber das kann ich ja gar nicht wissen. Also schreibe ich einfach nur: Es sind Fragen, die ich mir schon des öfteren gestellt habe.

Aber selbst, wenn nicht – sich Fragen zu stellen, die man sich vorher nicht gestellt hat, dürfte mindestens genauso viel wert sein.

Die meiste Zeit verbringt ihr in diesem Stück Software also nicht damit, irgendwelche Rätsel zu lösen, sondern mit dem Führen unterschiedlichster Dia- und Monologe und dem Treffen ethischer Entscheidungen. Die eigene Handlungsweise wird dabei zwar reflektiert und spiegelt sich auch in späteren Abschnitten wider, einen Idealweg gibt es jedoch letztendlich nicht und die Entscheidung, wie alles ausgeht, bleibt vollkommen dem Spieler überlassen. Ohne Bewertung, ohne Urteil.

Wie gesagt, eindeutige Antworten bietet The Baron nicht. Allerdings ist es grade dieser Umstand, der es umso faszinierender macht. Denn Medien – egal, welcher Art – die einen vor ein ethisches Problem stellen, nur, um am Ende moralisch den erhobenen Zeigefinger zu schwingen, mag ich sowieso nicht besonders. Eine einheitliche Richtigkeit gibt es ohnehin nicht. Selbst nachdenken heißt die Antwort! Und ist zudem viel unterhaltsamer.

Lang ist das Spiel an sich zwar auch nicht (ich habe das Spiel jedes Mal in einem Rutsch gespielt), aufgrund der vielen verschiedenen Handlungsmöglichkeiten lohnen sich ein zweiter und dritter Durchlauf aber auf jeden Fall.

Was genau ist denn aber nun eigentlich so toll an The Baron? Nun, schwer zu sagen. Vielleicht ist es das: Wenn man es zulässt, verrät einem das Spiel ein klitzeklein wenig über einen selbst. Und man bekommt die Chance, gewisse Dinge mal aus einer anderen perspektive zu betrachten, solange man sich nur darauf einlässt.

Ich zumindest hätte auch nichts gegen mehr Spiele dieser Art.

Vom Genre des Text-Adventures an sich konnte mich The Baron jedenfalls vollkommen überzeugen. Wer braucht schon DirectX 10, wenn er Text haben kann?

Das Spiel ist übrigens umsonst und kann unter anderem hier runtergeladen werden. Zusätzlich wird neben der eigentlichen Spieldatei auch noch ein Z-Code Interpreter benötigt, den man sich ebenfalls kostenlos für Windows, Linux, Mac OS und andere Systeme herunterladen kann.