Schon der Titel des Spiels ist ein interessanter und erschließt sich aufgrund eines Wortspiels nicht auf den ersten Blick. Da ist zum einen das gesamte Wort, „Ōkami“, welches aus dem Japanischen mit „Wolf“ übersetzt wird. Zum anderen der Teil „kami“, welcher mit dem Präfix „o“ viele verschiedene Übersetzungen erhalten kann, darunter die für unsere Betrachtung relevanten „große Gottheit“ und „großes Papier“. Alle drei sind wichtige Elemente des Spiels, welches bereits 2007 in Europa für die PlayStation 2 erschien und ein Jahr später auf die Wii portiert wurde.

In Ōkami übernehmt ihr die Rolle der Sonnengöttin Amaterasu, die in Wolfsgestalt in die Geschehnisse der Welt eingreift. Im Lande Nippon, einem klassischen Japan, ist es eure Aufgabe, das wiedererstarkende Böse zurückzudrängen, welches 100 Jahre lang versiegelt geblieben war. Unterstützt werdet ihr dabei von einem flohähnlichen Begleiter namens Issun, mit dessen Hilfe ihr euch die Kräfte der Natur zunutze machen könnt.

Ihr macht euch auf, um Landstrich für Landstrich Monster zu bekämpfen, die Umwelt erblühen zu lassen und Bewohnern bei ihren zahlreichen Problemchen zu helfen. Besonders gefragt ist dabei eure Fähigkeit, über das Zeichnen mit Issuns Pinsel Einfluss auf eure Umwelt zu nehmen. Ein Kreis am Himmel ruft, je nach Tageszeit, Mond oder Sonne hervor, ein gerade gezogener, waagerechter Strich schneidet Bäume wie Gegner in zwei Hälften und andere Formen verlangsamen die Zeit oder reparieren kaputte Dinge. So simpel diese Zutaten klingen, so wirksam und fesselnd sind sie im Endprodukt. Logische Rätsel und viele Geheimnisse motivieren vor dem Hintergrund einer atmosphärisch dichten Welt für mehr als 40 Stunden Spielzeit. So etwas findet man nicht allzu oft!

Einen riesigen Anteil daran hat das „Praise“-System. Ins Deutsche zunächst etwas unpassend wirkend mit „Glück“ übersetzt, sichert ihr euch durch gute Taten den Wohlwollen von Mensch und Tier. Oder – um mich eines Videospielterminus zu bedienen – Erfahrungspunkte. Für gewonnene Kämpfe gibt es nämlich nur Geld und Gegenstände! Obwohl die Kämpfe durchaus unterhaltsam sind, meidet man sie irgendwann, weil man häufig alte Gebiete besucht und dabei nicht jedes Mal ewig lange aufgehalten werden möchte. Wenn auch beispielsweise das Geld in neue Waffen und Techniken investiert werden kann. Die Erfahrungspunkte hingegen lassen sich auf Upgrades verteilen und sorgen nicht etwa für allgemeine Level-Ups.

Viele der „Praise“-Aufgaben sind optional und häufig erhaltet ihr eine benötigte Fähigkeit erst, nachdem ihr den betreffenden Ort schon hinter euch gelassen habt. Dann heißt es: Zurückgehen und erkunden! Sofern ihr denn Lust dazu habt. Das Erfüllen der Sidequests hilft zwar merklich weiter, doch fähige Spieler können auch strikt von einem story-relevanten Event zum anderen jagen. Eine sehr gute Lösung für ein uraltes Spieledilemma! Obwohl ich nicht grundsätzlich ein Gegner von Zufallskämpfen bin, freute es mich, in diesem Fall die Möglichkeit zu haben, Kämpfe zu umgehen. Gegner sind gut sichtbar auf der Oberwelt zu erkennen und bei Feindkontakt landet ihr in einer Art Arena, aus der man unter normalen Umständen jederzeit auch flüchten kann. Dem sorgenfreien Erkunden alter Gegenden steht somit nichts mehr im Wege.

Besonders gefallen haben mir außerdem die vielen Entlehnungen aus der japanischen Mythologie. Anders als in den monotheistischen Religionen gibt es im Shintoismus unzählige Gottheiten, und so treffen „Ammy“ und Issun im Verlauf auf zahlreiche andere Kami und weitere Fabelwesen, von denen nicht wenige auch unter euren Gegnern zu finden sind. Diese erfordern im Übrigen häufig auch bestimmte Strategien – die Bosskämpfe zeigen am beeindruckendsten, wie so etwas auszusehen hat.

An dieser Stelle möchte ich auf einen Punkt eingehen, der bei einer Kaufentscheidung zwischen den zwei unterschiedlichen Versionen von Ōkami eine wichtige Rolle spielt und über den ich im Voraus eigentlich selbst mehr hätte lesen sollen: die Steuerung. Gerade die Wii-Steuerung scheint nämlich immer wieder gerne kritisiert worden zu sein, obwohl sich das Spielsystem geradezu für die Wiimote anbietet. Ein Umstand, der mich eventuell dazu veranlasst hätte, eher zur PS2-Version zu greifen – nach der ich während des Spielens aber nie ein Bedürfnis verspürt habe, nicht eine Sekunde lang. Sicherlich gibt es die hakeligen Ausweich-Manöver, für die man den Nunchuk schnell in eine Richtung bewegen muss, was entweder nicht perfekt funktioniert oder euch zu einem Zeitpunkt, wo diese Aktion nicht beabsichtigt ist, völlig aus der Fassung bringt. Dafür entfaltet die Wii-Version beim Pinseln dann ihre volle Stärke: Nicht nur fand ich die Steuerung per Wiimote-Pointer in den meisten Fällen durchaus präzise, ich will mir auch gar nicht vorstellen, wie dieses locker von der Hand gehende, grandios ins Spiel eingebunde Feature auf einer Konsole mit einem klassischen Controller aussehen würde. Von daher von meiner Seite aus eine klare Empfehlung für die Wii-Version.

Was bleibt mir nun noch zu sagen? Ōkami ist eines dieser wenigen Exemplare von Videospielen, die wie aus einem Guss wirken. Der malerische Stil, der von der japanischen Tuschmalerei Sumi-e inspiriert ist, sowie die passende, klassische japanische Musik, runden das Spielerische präsentationstechnisch sehr gut ab. Obwohl ich die Story lange Zeit mehr als Beiwerk empfand, mausert sie sich und trägt mit zunehmender Spielzeit und der einen oder anderen spannenden, emotionalen Phase ihren Teil zur in sich geschlossenen, atmosphärischen Spielwelt bei, der sich als Gesamtwerk nur schwer zu entziehen ist.

Im Jahre 2002 erschien Super Mario Sunshine für den GameCube und avancierte alsbald zu einem meiner Lieblingsspiele für die genannte Konsole. Es war motivierend, hatte diese tolle, einzigartige Urlaubsatmosphäre und einen ebenso unverkennbaren Soundtrack. Die Fachpresse vergab überwiegend Bestnoten, Nintendo betrieb sogar noch die zu GameCube-Zeiten fast nicht vorhandene Fernsehwerbung und alle waren sich einig, hier einen dieser Flaggschiff-Titel vor sich zu haben, über den sich eine Konsole naturgemäß definiert.

Doch dann kamen die Zweifler. Wie nach einer durchzechten Nacht, an deren nächsten Morgen man mit Kopfschmerzen im Bett aufwacht und sich fragt, wer eigentlich die Person ist, die da neben einem liegt, begannen die Leute, die Qualität des Titels in Frage zu stellen und des Klempners Inselurlaub mehr und mehr zu verurteilen. Geradezu martialisch wurde ihm der Titel als würdiger Nachfolger des N64-Meilensteins entrissen und übrig blieb ein gutes Spiel, das aber viel belächelt wurde, und eine Horde Spieler, die lieber weiter auf ihr „Super Mario 128“ warteten.

Davon ließ sich auch Nintendo anstecken. Verkappt bezeichnete Reggie auf der E3-Konferenz 2007 Super Mario Galaxy als ersten würdigen Nachfolger von Super Mario 64. Was Miyamoto wohl insgeheim dabei gedacht haben mag? Erst als vor kurzem Super Mario Galaxy 2 angekündigt wurde, das allem Anschein nach ein Klon mit anderen Levels und höherem Schwierigkeitsgrad werden wird, habe ich erstmals ernsthafte Kritik an Super Mario Galaxy lesen können. Frei nach dem Motto: „Was? Wir brauchen gar nicht mehr zwanghaft an diesem Titel festhalten, als ob es kein Morgen mehr gäbe? Dann waren unsere ganzen Lobpreisungen ja gar nicht so ernst gemeint, HAHAHA. “

Jetzt mal ernsthaft: So nicht.

Nintendo hat in den letzten Jahren eine Strategie entwickelt und ausgebaut, mit der sie zwar kommerziell sehr erfolgreich fahren, mich (und viele andere) aber nicht wirklich zufrieden stellen. Mehr und mehr werden Spielkonzepte recycelt, durchschnittliche Produkte zu Top-Titeln hochstilisiert und ans Herz gewachsene Serien an die neue Casual-Kundschaft angepasst. Wo Probleme vorliegen, sollte man diese auch zur Kenntnis nehmen und nach Möglichkeit ansprechen, anstatt sich selbst und andere zu betrügen, indem man sie schönredet. Die ursprüngliche Fassung dieses Textes las sich vermutlich bereits wie ein Verriss, weil sich dieser Trend der Neuausrichtung bis zu einem gewissen Grad auch bei Galaxy feststellen lässt – allerdings musste ich einsehen, dass es in diesem Falle sehr intelligent gelöst wurde. Vor allem zwei Dinge stießen mir aber zunächst sauer auf:

Bis zum Boss-Fight mit Bowser ist das Spiel lächerlich leicht. Zu sterben ist ungefähr so schwierig wie im Puff keine Frau abzubekommen [---Aussage basiert übrigens auf einer Vermutung---]. Was wurde der Vorgänger für diesen Umstand nicht kritisiert! Als erfahrener Spieler geht man eigentlich nur vor die Hunde, weil entweder die Kamera nicht rechtzeitig mitzieht und man demnach übersieht, dass man ausnahmsweise mal nicht auf der Unterseite seiner Plattform rumlatschen darf – oder weil die Schabernack-Kometen ihre Finger im Spiel haben.

Und freilich, andere sehen in der Masse an kurzen Welten ein riesiges Potenzial an Abwechslung, mir mangelte es aber eindeutig an Tiefe und liebevoller Gestaltung. Wo ich in Sunshine noch an manchen Punkten Halt machte von der Hatz auf die Insignien, um die schöne Level-Architektur, einen Sonnenuntergang oder das glitzernde Wasser zu beobachten, meinetwegen auch um Verstecke der blauen Münzen zu entdecken, geht es beim Wii-Titel Schlag auf Schlag. Geheimnisse sind so gut wie nicht vorhanden und wo dies doch der Fall ist, wird man immer freundlich darauf hingewiesen – aufgrund der Linearität der Level kann man sie dann auch nicht mehr verfehlen.

Gemindert werden diese Kritikpunkte durch den Verlauf ab der zweiten Hälfte des Spiels, die einen Großteil der angesprochenen „intelligenten Lösung“ ausmacht. Das Spiel wird nämlich zusehends schwieriger, wenn man versucht, sich tatsächlich alle Sterne anzueignen. Zwar wirken die bereits herunter gedudelten Credits wie eine kalte Dusche auf den eigenen Ehrgeiz, doch wäre man ja kein wahrer Gamer ohne dieses „100% geschafft“-Leuchten in den Augen. Und so verbringt man denn – auch dank der nicht ganz so populären lila Münzen – in manchen Levels vielleicht mal mehr als nur ne Handvoll Minuten, muss sich umsehen und nicht nur durchrennen. So wird man, finde ich, beiden Extremen von Spieler-Typen gerecht (Gerüchte besagen übrigens, dass auch die wenig beachteten Normalos nicht zu kurz kommen).

Andere können gerne noch kritisieren, dass selbst die späteren Welten nicht schwierig genug sind – ich sollte mich da aber lieber zurückhalten, weil ich schon an so manchen schaffbaren Spielen kläglich gescheitert bin.

Die außergewöhnlich positive Rezeption ist eventuell damit zu erklären, dass für viele Spieler die Rückbesinnung auf alte Tugenden wichtig gewesen sein könnte. Dazu gehören dann eben auch Dinge wie die Abwechslung durch verschiedene Welten, selbst wenn diese für mich aufgrund ihrer Anordnung nicht immer in Erinnerung bleiben werden und Tiefe vermissen lassen. Dazu gehört aber auch, und hier habe ich auch keine Kritik zu üben, dass es Passagen in 2D gibt und Items wie den Stern, der einen unverwundbar macht, oder eben die gute alte Feuerblume. Mit Mario Sunshine wischt es deshalb trotzdem nicht den Boden auf. Dieses vermeintliche Überspiel, für das es überall gehandelt wird, offenbart trotz seiner handwerklich weitestgehend unheimlich guten Ausführung ebenso Schwächen, die bisher aber irgendwie unter den Teppich gekehrt wurden. Das trifft im Übrigen auch auf die unaufregende Musik zu, die zwar wieder einmal mit einigen Neu-Arrangements aufwartet, aber an neuen Stücken nur „To the Gateway“ in meinem Gedächtnis zu verankern imstande war.

Aber ich will ja fair bleiben: auch Japan ging leer aus. Man ging beim Publisher von vornherein davon aus, dass das Spiel aufgrund der extremen Gewaltdarstellung nicht für alle Märkte geeignet sei.

Dabei, so finde ich, zeugt diese Einstellung entweder von Unkenntnis der Materie oder Angst vor der Unkenntnis anderer (vermutlich aber letzteres): wer sich mit MadWorld beschäftigt, wird feststellen, dass die Gewalt zwar in gewisser Weise zelebriert wird, letztendlich jedoch so übertrieben inszeniert ist, dass das Spiel einen geradezu mit der Botschaft erschlagen möchte: „Nehmt das alles nicht so ernst“. Der Vergleich mit Tom & Jerry durch Eurogamer.net ist keineswegs fehl am Platze. Wenn Bosse Helikopter vom Himmel holen und nach euch werfen, man selbst Gegner wie Dartpfeile behandeln soll oder bestimmte Charaktere in Form eines Running Gags in jedem Level aufs Neue von ihren Assistentinnen um die Ecke gebracht werden, dann hat das nicht mehr viel mit Ernsthaftigkeit (geschweige denn Realität) zu tun. Dafür sorgt auch der von Sin City inspirierte Grafikstil, der zunächst einmal comicartig und dann auch noch hauptsächlich in Schwarz-Weiß gehalten ist.

Zu verdanken haben wir dieses abgedrehte und mit tiefschwarzem Humor gespickte Spektakel einem Studio aus Osaka, das unter dem Namen Seeds gegründet wurde und inzwischen (nach Fusion) Platinum Games heißt. Und natürlich den Leuten von Sega, die den Kreativdrang der dort Tätigen unterstützen. Beide Seiten einigten sich auf eine drei Spiele umfassende Kooperation. Neben MadWorld stehen dieses Jahr außerdem Bayonetta (Action, PS3/Xbox 360) und Infinite Space (RPG, DS) an. Jetzt mag man sich fragen, wieso Sega ausgerechnet diesem Studio anscheinend so bedingungslos in seinem Schaffensdrang zur Seite steht, in Zeiten, wo man auf dem System des Marktführers auch mit minderwertigen Fortsetzungen seiner einst gloriosen Vorzeigereihe vermutlich Kohle scheffeln kann wie nichts Gutes (und darum geht es vielen Entscheidungsträgern wohl meistens, wobei ich das im Speziellen Sega nach dem Shenmue-Zwischenfall nicht besonders verübeln möchte), und innovative Projekte (nein, nicht wie Wii Fit) schlichtweg im Sand stecken bleiben, respektive: in den Regalen liegen wie Blei.

Die Antwort zu der Frage steckt im Team von Platinum Games, denn dieses rekrutiert sich aus nicht wenigen namhaften ehemaligen Capcom-Mitarbeitern. Wenn vielleicht auch nicht jeder von Atsushi Inaba, Shinji Mikami, Hideki Kamiya oder Masami Ueda gehört hat, so sagen einem doch wohl Titel wie Resident Evil, Viewtiful Joe, Okami oder Devil May Cry mit Sicherheit eine Menge. Oder zumindest etwas. Ganz hinten in einer verstaubten Ecke der eigenen biologischen Festplatte vielleicht. Wenn nicht, dann lest ihr das falsche Blog. Dann wäre es auch überflüssig zu erwähnen, dass Yasumi Matsuno zum Teil für die Story verantwortlich ist (Vagrant Story? Bzw. Final Fantasy XII, für die Jüngeren). Der Grund für die Trennung von Capcom war übrigens (man höre und staune) die Perspektivlosigkeit für neue Projekte – die hundertste Resident Evil-Neuauflage hat eben Vorrang vor frischen Ideen.

Mit Hintergrundinfos um mich geworfen? Check.
Die Leser eindringlich zum Kauf von Psychonauts aufgerufen? Check.
Schon zur Sache gekommen? Not yet achieved.

Ich werde den Inhalt von MadWorld anhand der Negativpunkte abhandeln, weil sie so schön ambivalent sind und sich auch an einer Hand abzählen lassen.

Als da wären:

Die zu kurze Spielzeit: nur vier bis fünf Stunden unterhält euch der Erstdurchgang, für den zweiten gibt es lediglich ein paar „schäbige“ Waffen wie die doppelte Kettensäge und ein zur Abwechslung mal fordernder Schwierigkeitsgrad. Nicht mit mir! Wer hier mit dem gelungenen Pacing argumentiert, ist mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit sowieso nur ein fauler Spiele-Entwickler.

Die hakelige Kamera: ein einziger Kamerabutton, weil alles andere für Kampfbefehle benötigt wird? So haben wir nicht gewettet! Viele Spiele brauchen einfach ein Mindestmaß an Steuerungsmöglichkeiten für die Kamera, damit man seinen Charakter stets gut im Blick hat. Die dauerhafte Zentrierung direkt hinter dem Charakter ist nicht besonders glücklich (ein Problem, das auch Dead Space angedichtet wird, welches ich aber bisher noch nicht gespielt habe). Es muss ja nicht gleich so enden, dass man fortan zwischen hunderten Kameraeinstellungen wählen kann, wie man seinen Charakter am liebsten betrachtet, während er vom Mob verprügelt wird, weil zufällig kaum eine Taste eine sinnvolle Gegenwehr eröffnet. Als Ausgleich dafür habe ich bei MadWorld gleich mehrere realitätsnahe Bewegungsmöglichkeiten, meinen Feinden zu zeigen, wer der Herr im Haus ist. Inklusive der tollen Brumm-Brumm-Geräusche aus der Wiimote, die zwar passen, aber dann doch irgendwie die Batterien zu sehr belasten (optional abschaltbar).

Der nächste Punkt ist der drohende Augenkrebs durch einen vermeintlich künstlerisch anspruchsvollen Grafikstil: wir wissen doch alle, dass die Entwickler bloß farbenblind sind und das Ganze schon bei Sin City nur ein glücklicher Zufall war. Wer hier intendierte Gameplay-Elemente sieht, meint wohl noch, dass die Farben Rot und Gelb irgendeinen Sinn machen würden… ts, ts. Also wirklich. Ein wenig mehr Erkennbarkeit bestimmter Objekte in manchen Abschnitten hätte aber schon gut getan.

Punkten (durch möglichst brutales Vorgehen) auf Zeit: wer hier Parallelen zu seinem Sexualleben findet, darf diese Erkenntnis gern für sich behalten – anderweitig festgestellte Parallelen sollen natürlich nicht die Gesellschaft aufs Korn nehmen und einfach nur Spaß ohne viel Nachdenken bringen, sondern dienen einzig und ausschließlich der Ausbildung neuer Amokläufer. Wer zwischendurch sein Hirn anschaltet, kriegt eine durchaus solide Story geboten und wird eventuell sogar die eine oder andere Anspielung auf andere Games finden. Böse Zungen behaupten dagegen, Figuren wie Big Eddie seien gar keine Hommage an Resident Evil 4, sondern allenfalls Ausdruck von Einfallslosigkeit und damit Recycling.

Weil MadWorld zwischen diesen Extremen wandelt, gehe ich davon aus, dass es die Spielergemeinschaft spalten wird. Natürlich nicht grundlegend und ernsthaft, aber doch in dem Sinne, dass viele extrem bejahende Fans vielen total abgeneigten Spielern gegenüberstehen werden. Ich halte mich da locker flockig raus und betrachte es als absolut kurzweiligen, allenfalls sehr dem Hype zum Fraß vorgeworfenen Titel. Ein wenig repetitive Elemente gibt es trotz aller Abwechslung nämlich durchaus. Und den Multiplayer-Modus, der lediglich die Death-Challenge-Minigames beinhaltet, kann man auch getrost in die Tonne kloppen. Letztendlich bleibt mir nur zu sagen, dass es Spiele wie MadWorld sind, nach denen man Ausschau halten muss, wenn man nicht möchte, dass wir in ein paar Jahren alle nur noch GTA oder Fifa spielen. Oder Hello Kitty auf dem Ponyhof Deluxe („Jetzt auch mit spitzen Gegenständen!“), wenn die USK erst ein Teil der Regierung geworden ist, und diese über Zumutbarkeit des Inhalts entscheidet. Das alles heißt nicht, dass man jedes innovative Projekt gut finden oder gar kaufen muss. Das gilt dann nur für Psychonauts.

Dabei herausgekommen ist Rock Band, in Europa das allerdings zunächst aufgrund eines Exklusiv-Vertrags nur für die Xbox360. Dass solche Exklusiv-Verträge manchmal mit der Zeit ihre Gültigkeit verlieren, wissen überzeugte Nintendo-Fans noch schmerzlich von den Capcom Five und so kam es denn auch, dass Rock Band im September mit der zeitlichen Verzögerung einiger Monate ebenfalls für die Wii sowie PS3 und PS2 auf den Markt kam.

Muss ich im Vorfeld noch viele Worte über das Spielkonzept verlieren? Ich hoffe nicht. Musik zu erklären, oder im Allgemeinen auch selber zu fabrizieren, bin ich nämlich eigentlich gar nicht imstande. Euch sollte klar sein, dass ihr gerade den Artikel eines Verfassers lest, der in seiner Kindheit im Musik-Unterricht mit der Kuhglocke in der Hand endete, wenn die Lehrerin die Parole ausgab: „Jeder nach seinem Können“.

[„Warum schreibst du dann über ein Musikspiel?“ …. „Ruhe auf den billigen Plätzen, verdammt!“]

So. Auf dem Bildschirm fliegen euch Symbole entgegen, die Noten repräsentieren sollen. Im richtigen Moment gespielt, erzeugt ihr nicht nur Töne, sondern gleich ganze Tonspuren im Spiel. Jedenfalls in den niederen Schwierigkeitsgraden (die höheren sind für mich noch unbekanntes Terrain) und in dem Fall, dass ihr überhaupt ein richtiges Instrument spielt. Neben der Gitarre (bzw. dem Bass) und dem Schlagzeug gibt es ja auch noch das Mikro.

Das Manko bei so viel Zubehör ist natürlich die Sperrigkeit der Geräte (vor allem des Schlagzeugs), aber auch der Preis ebendieser. Das Spiel kostet 50 Euro – und ist ohne Hardware schon mal gar nicht spielbar. Die gibt es derzeit im Dreierpack für 140 Euro – wer was auf sich hält, kauft natürlich noch die zweite Gitarre separat dazu, womit wir schon bei über 240 Euro wären. Und das Spiel preislich in Konkurrenz zu einer neuen Konsole tritt. Immerhin scheint EA die Proteste während des Launchs der Xbox360-Fassung vernommen zu haben und vertreibt nun nicht mehr jedes Gerät einzeln.

Das Tolle wiederum ist der einzigartige Spielgenuss, der sich beim Benutzen der teuren Anschaffung einstellt. Der Name „Rockband“ ist Programm – mit mehreren Leuten, die man aufgrund der einfachen Zugänglichkeit auch nicht lange bitten muss, macht der Titel unglaublich viel Spaß und teilweise auch den alteingesessenen Multiplayer-Granaten wie Mario Kart und Smash Bros. das Leben schwer. Besonders dann, wenn man mit Leuten spielt, die sonst eher weniger mit Videospielen zu tun haben. Und mit Musik.

Das konnte ich bei mir selbst feststellen, aber auch bei den Leuten, die ich zu einer Runde virtuellen Musizierens eingeladen hatte. Die „richtigen Musiker“ tendieren „leicht“ dazu, die Plastik-Gitarre mit einem Naserümpfen zu bedenken oder auch schon mal das ganze Konzept infrage zu stellen. Warum investiert man seine Zeit nicht darin, gleich richtig Musik zu machen? Die Frage stellt sich zwangsläufig, vielleicht auch deshalb, weil man für den Preis des Spiels ein echtes Instrument bekommen könnte. Diese Diskussion ist allerdings ein Fass ohne Boden [Ist es in Ordnung, sich dort virtuell auszuleben, wozu einem im richtigen Leben lediglich die Disziplin oder sonstige Einstellung fehlt? Nochmal von vorne, denn wir wollen ja keine Allgemeingültigkeit für diese Ideen einfordern, alleine schon deshalb, weil diese unmöglich ist: Ist es also für mich in Ordnung, wenn ich mich dort virtuell auslebe, wozu ich sonst zu faul und ungeduldig wäre? Hab ich denn keinen Drang dazu, mein Potenzial ansatzweise auszuschöpfen? Glücklicherweise ist es ja nicht so, dass die Frage bei Spielen generell aufgeworfen wird. Würde ich jemanden schräg angucken, nur weil er gerne mit Schwert und Schild bewaffnet unzählige Orks abmurkst? Nein! Unrealistische Dinge zu erleben, dafür sind Videospiele doch da! Dann allerdings wird mir manchmal unwohl, wenn ich sehe, wie in der Realität mögliche Dinge (die sich sogar mit wenig Anstrengung realisieren lassen! …lassen könnten! …wenigstens rein theoretisch!) plötzlich in einem verkrüppelten Hybrid-Aufzug daherkommen, Stichwort: Shootpads. Mal abgesehen davon, dass Fußball derzeit einfach noch nicht wirklich realistisch simulierbar ist und ich bei diesem Beispiel viele viele Aspekte vernachlässigen muss und sich viel mehr Fragen auftun, als ich unmöglich in dieser eingeschobenen Klammer stellen, geschweige denn beantworten könnte… Wohin soll denn das alles führen? Fange ich eines Tages an, mir einen muskulösen Avatar zu erstellen, nur weil mir mein Körper nicht gefällt und Sporttreiben zu lästig wäre? Esse ich virtuell dann nur noch vegetarisch, weil das einfacher durchzuhalten ist als in der Realität? Designe ich mir eine Freundin, die meine Wünsche eher erfüllt als richtige Menschen? (für Eingeweihte: das Beer-Activated Girl)]. Um wieder auf das Thema zurückzukommen: die Diskussion wäre ein Fass ohne Boden. Rock Band dagegen ist es nicht.

Nein, ein Fass ohne Boden ist Rock Band vom spielerischen Inhalt her nun wahrlich nicht. Es gibt zwar mehr als 60 Songs und jeden davon in vier unterschiedlichen Schwierigkeitsgraden, im Vergleich mit den Versionen für die anderen Konsolen sieht die Wii-Fassung jedoch aus wie hingerotzt. Die fehlende Online-Unterstützung ist nur mit dem Worte „Frechheit“ treffend zu bezeichnen. Was zur Anfangsphase der Konsole vielleicht noch vertretbar gewesen wäre, ist – spätestens nachdem Guitar Hero III es bereits im letzten Jahr erfolgreich vorgemacht hat – absolut unverständlich. Was hatte EA-Chef John Riccitiello Mitte 2007 nicht groß und reuig von einer Kursänderung gesprochen: bei Rock Band sieht man diese überhaupt nicht. Oder zumindest nicht qualitativ, denn wer weiß, ob das Spiel sonst überhaupt für die Wii erschienen wäre. Ohne neue Songs und ohne Motivation zur Selbstverbesserung ist man im Singleplayer-Modus nach Erspielen aller Lieder durch, viel Drumherum wie kreativen Freiraum bei der Gestaltung von Outfits oder Charakteren gibt es nicht. In dem Punkt wird das Spiel sogar noch von Hannah Montana Music Jam übertroffen, und das war immerhin für den DS. Und mit Hannah Montana. Aber nichts für ungut.

Die Songauswahl empfinde ich persönlich als gelungen, ist aber mehr als alles andere geschmacksabhängig. Deshalb sollte, wer „nur“ eine Wii sein Eigen nennt, vielleicht erst einmal einen Blick auf die Tracklist werfen, bevor er sich für den Kauf entscheidet, oder gleich ganz auf den Nachfolger warten, von dem man erwarten darf, dass er auch Online-Modi und Download-Inhalte bieten wird. Multikonsoleros wird die Wahl bei diesem Spiel erheblich vereinfacht.

Für mich stellt sich jetzt nur noch die Frage, ob Creep von Radiohead wirklich partytauglich ist.